>En 1888, poco después de que Vincent van Gogh se mudara a Arlés, una pintoresca ciudad construida sobre ruinas romanas en el sur de Francia, escribió para contarle a un amigo, el pintor parisino Émile Bernard, sobre su nuevo alojamiento.

Viviendo en una casa amarilla en medio de este “mar amarillo”, Van Gogh recurrió una y otra vez al color para crear algunos de sus lienzos más reconocibles: campos de trigo dorado bajo un sol abrasador, la marquesina color caramelo de una terraza de café por la noche y un jarrón dorado lleno de girasoles.

Lo utilizó tanto en sus años de Arlés —un momento en el que estaba en la cúspide de su poder artístico— que quedó para siempre asociado con ese color.

Los curadores toman como punto de partida los Girasoles de Van Gogh, de 1889, para explorar el significado cambiante del color para los artistas.

La teoría del color era una preocupación de muchos artistas del fin de siècle, incluidos Wassily Kandinsky y Hilma af Klint, quienes creían que ciertos colores tenían resonancias espirituales o significados simbólicos, y que ciertas combinaciones provocarían vibraciones emocionales en el espectador.

Los curadores también han incluido algunos intentos recién compuestos por estudiantes del conservatorio de Ámsterdam para captar la esencia del amarillo en el sonido, y perfumes que sugieren el color con aromas como vainilla, bergamota y pachulí, que los visitantes pueden oler en decantadores de vidrio.

Blokland y su cocurador, Edwin Becker, ofrecieron a Eliasson un piso entero del museo para dos grandes instalaciones: su escultura de luz fluorescente de 2006 Who Is Afraid Yellow Flower Ball, y Color Experiment No. 78”, de 2015, una serie de 72 pinturas circulares monocromáticas que parecen cambiar de color al ser iluminadas con luces amarillas.

Van Gogh jugó con combinaciones de colores —prefería contrastes como amarillo y azul, y amarillo con púrpura—, pero no siempre en su lienzo o paleta. Antes de tomar el pincel, reunía hebras de lana de colores en ovillos para ver cómo se veían los tonos al combinarse. Una caja lacada, expuesta en la muestra, exhibe las tonalidades de amarillo, azul y púrpura que coinciden perfectamente con los tonos que usó en una naturaleza muerta de frutas de 1887.

Sus primeras pinturas, hechas en su natal Países Bajos y Bélgica, retrataban la dura realidad de la vida rural usando una paleta oscura y terrosa. No fue sino hasta que se mudó a París en 1886, y fue influenciado por pintores franceses como Signac, Paul Gauguin y Henri de Toulouse-Lautrec, que empezó a experimentar con pigmentos más cálidos y vivos.

“Era un color que lo desafiaba a llevar la expresión y la emoción en su pintura aún más lejos”, comentó Blokland, “porque era un color tan fuerte, y lo rodeaba por completo en Arlés”.

Una de las revelaciones de Blokland al preparar la muestra fue descubrir que los libros amarillos a menudo aparecían en las pinturas de la época de Van Gogh. Estos habrían sido instantáneamente reconocibles para sus contemporáneos como ediciones de bolsillo francesas con contenido sexualmente sugerente o atrevido, dando un nuevo significado a la naturaleza muerta de van Gogh de 1887 Montones de novelas francesas.

A la década final del siglo se la llamaba a veces los “Años Noventa Amarillos”, un periodo decadente y vanguardista que Van Gogh no llegaría a ver. Se suicidó justo en su umbral, en julio de 1890.

Fuente: The New York Times.

Fuente: telam