Un crítico llegó a escribir: “La taza y el platillo forrados en piel, con la cuchara incluida para rematar, dan una idea de toda la locura que ha desatado la exposición de arte surrealista en Nueva York”. La repercusión fue tal que la propia artista sintió que la fama de la obra eclipsaba el resto de su producción.

La presencia de figuras como el escritor Hermann Hesse, autor de El lobo estepario y Demian, en el círculo familiar marcó sus primeras creaciones, que desde la adolescencia combinaron escritura y artes visuales, plasmando sueños en textos e ilustraciones. Entre 1931 y 1932, produjo una serie de dibujos que reflejaban una tendencia depresiva que la acompañaría durante gran parte de su vida, con obras impregnadas de pesimismo y cuestionamiento de los arquetipos tradicionales, influida por su formación cercana a la Bauhaus y otros movimientos de vanguardia.

En 1933, Giacometti y Hans Arp la invitaron a participar junto a Salvador Dalí, Max Ernst y Vasili Kandinsky en la sexta edición del Salon des Surindépendants, consagrándola como la integrante más joven del grupo surrealista.

El origen de Object se remonta a un encuentro casual en el Café de Flore de París en 1936, cuando Oppenheim, con 22 años, se reunió con Pablo Picasso y Dora Maar. La artista llevaba un brazalete de ocelote, un felino de América, que habia sido diseñado junto a la italiana Elsa Schiaparelli.

Más allá de la anécdota, resultaría erróneo atribuir el uso de las pieles a aquel diálogo con el artista y la fotógrafa, ya que su fascinación por la piel y los textiles venía de antes. Antes de ese almuerzo, ya había colaborado con Schiaparelli, diseñando guantes cubiertos de piel con las puntas de los dedos cortadas y un anillo forrado en el mismo material.

A pesar de su repercusión, la junta directiva del MoMA se negó a adquirir la obra. Quien sí lo hizo de manera personal y la donó luego, fue el director fundador Alfred Barr, para quien el set hacía “real, de forma concreta, la improbabilidad más extrema y bizarra” generando “tensión y emoción en la mente de decenas de miles”, que se habían “expresado con rabia, risa, asco o deleite”.

Del mismo año, Mi enfermera, donde un par de zapatos de tacón atados boca abajo se servían en bandeja como si fueran muslos de pollo, ponía el foco en la opresión de los roles impuestos a las mujeres y su consumo sexual.

Su regreso fue lento, alejada de los surrealistas, durante los ‘50 exploró nuevos materiales y se acercó más a la performance, con obras como Pareja (1956), en la que un par de botas unidas por las puntas se inutilizan mutuamente, cuestionando la dependencia, o Banquete de primavera (1959), donde tres hombres y tres mujeres comían sobre el cuerpo desnudo de una mujer, que tiene una profundísima actualidad.