16/10/2024
Cuando Robert Frank dejó la fotografía fija por una amante secreta
Fuente: telam
La primera muestra individual del artista suizo en el MoMA de Nueva York patentiza el vacío existencial después del éxito de la serie “The Americans” y deja una poderosa sensación de tristeza
>En 1960, Robert Frank publicó un delgado volumen de 83 fotografías titulado The Americans (Los Americanos), que sigue siendo uno de los proyectos fotográficos más absorbentes y perturbadores desde que el medio fue inventado a mediados del siglo XIX.
“¿Hacia dónde vas, América, en tu coche reluciente por la noche?”, preguntó Jack Kerouac en On the Road. Frank, un inmigrante judío de Suiza, respondió en nombre de su país adoptivo: “No tenemos idea”.
The Americans fusionó la candidez inquietante de un registro visual callejero con una técnica rigurosa y una sutil pero absorbente organización en capítulos y temas: cada fotografía resonando, prefigurando o subvirtiendo a sus vecinas. No fue un éxito instantáneo, pero triunfó lentamente y a medida que avanzaron los años 60, cada fotógrafo en Estados Unidos quería ser Robert Frank, excepto el propio Frank, que detestaba la publicidad, la fama y la glorificación.Y luego llegó un extraño e inquietante cambio artístico, en el que Frank prácticamente repudió el libro y se alejó del tipo de fotografía que lo había convertido en un nombre conocido. Exploró el cine, se alineó con los Beat, incluido Kerouac (quien había escrito la introducción de The Americans cuando se publicó en Estados Unidos) y dirigió su cámara cada vez más hacia adentro, explorando una vida que se volvió más pequeña, más remota y cada vez más atormentada por el misterio de la mortalidad y la inevitabilidad de la muerte.Deja una poderosa sensación de tristeza, no solo porque gran parte de la obra posterior parece otoñal y sombría, sino porque Frank se presenta como una figura bastante triste, recluida y poco favorecida por un ideal anti establishment, anti artístico de independencia creativa. Después de su ruptura inicial con la fotografía, sus primeras películas parecen simplemente aficionadas. Eso fue intencional, un abrazo abierto a una estética inacabada y esbozada, pero también un callejón sin salida creativo para un fotógrafo alienado de sus propios talentos y fortalezas.
Eso casi con certeza no es lo que los curadores (Lucy Gallun, Kaitlin Booher y Casey Li) de esta bien ejecutada exposición querrían que los visitantes concluyeran. Y molestará a los seguidores incondicionales de películas como Pull My Daisy, un cortometraje que Frank hizo con Kerouac y Alfred Leslie, estrenado en 1959. Con Allen Ginsberg, Gregory Corso y Peter Orlovsky, entre otros, Pull My Daisy se siente improvisada y ostensiblemente casera. Su elemento más sustancial y memorable es una fina partitura de David Amram (los músicos parecen mucho menos susceptibles al fetiche por la estética amateur.)Pero Pull My Daisy tiene una curiosa peculiaridad, que se repite a lo largo de la obra posterior de Frank: la narración de Kerouac nos dice exactamente lo que estamos mirando. Es una duplicación verbal de lo visual, algo así como un locutor deportivo haciendo una retransmisión jugada por jugada. Si una imagen vale mil palabras, ¿por qué necesitamos esta superposición lingüística? ¿Por qué Robert Frank narra tan a menudo sus propias películas caseras con las mismas descripciones superfluas, diciéndonos, por ejemplo, que está a punto de tomar un baño mientras lo vemos llenar la bañera? ¿Y por qué inscribe frecuentemente palabras en sus imágenes fijas?Pasó una vida huyendo de sus primeros trabajos como fotógrafo comercial y de revistas, trabajando por encargo. Admiraba a los Beats y su indiferencia desafiante hacia el trabajo pulido y encontraba a la colaboración más satisfactoria que el trabajo solitario.
Comparaba la fotografía con el romance: “Lo amé, gasté mis talentos en ello, estuve comprometido con ello; pero cuando la respetabilidad y el éxito se convirtieron en parte de ello, entonces fue el momento de buscar otra amante o esposa”. En la vida real, estuvo casado dos veces y tuvo dos hijos, ambos de los cuales murieron trágicamente; pero como artista, dejó el hogar y nunca regresó.A menudo, en su obra de cine y video, la cámara imita el ojo de un fotógrafo callejero, buscando un punto de interés, un motivo, un centro de la acción. En el metraje de una manifestación contra la guerra en 1972 en Nueva York, la cámara se mueve rápidamente, hace zoom hacia dentro y hacia fuera, imitando cómo nuestros ojos orgánicos realmente procesan los datos visuales. No es un ojo en el mundo, pero lo es.
Sus colaboraciones con Ginsberg, su documental no estrenado y raramente proyectado sobre los Rolling Stones, y sus portadas de discos para grupos como The New Lost City Ramblers sugieren un cambio sutil pero crítico en cómo se relacionaba como artista con el mundo. Frank se había cansado de permanecer aparte del mundo, observando, como se supone deben hacer los buenos fotógrafos.En décadas posteriores, especialmente después de que él y su segunda esposa, la artista June Leaf, compraran una casa en la Isla de Cape Breton en Canadá, la fotografía, el lenguaje y la melancolía se fusionaron en su obra. Raspaba palabras en los negativos o las garabateaba en las impresiones, no como subtítulos con poder explicativo, sino más bien como etiquetas –o peor, un esfuerzo hosco por controlar cualquier libertad de interpretación–. Cuando la obra toca explícitamente su dolor personal, es imposible resistir su poder, como en una fotografía de 1995 de peces en una silla con las palabras The Suffering the Silence of Pablo (El Sufrido Silencio de Pablo) inscritas arriba y abajo.
Pero en otras obras, muestra y cuenta sin ninguna acumulación de significado, como si quisiera guardar en un archivo privado la cruda evidencia forense de un momento que solo él vivió y nunca viviría de nuevo. Se percibe no solo una crisis personal de pérdida o duelo, sino una crisis de significado y memoria. “¿No sería fantástico si ni siquiera tuvieras que tener un pedazo de celuloide entre tú y lo que veías?”, dijo.- - -
Fuente: The Washington Post.
Fuente: telam
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